Проявление солидарности через искусство означает, что оно становится популярным не только благодаря своему содержанию, но и благодаря способам его создания и распространения. Это происходит, когда художник перестаёт быть обособленным индивидуумом и включается в коллективную жизнь.

Одним из самых ярких примеров этого является культурная и художественная деятельность в Рожаве. Её сила заключается в способности воссоздавать общественные связи между аудиторией и художником, разрушая так называемую четвёртую стену. Искусство становится более свободным, когда оно принадлежит народу.

Представьте, что вы проводите мастер-класс в своём районе. Вместе с детьми создаёте настенную роспись. Или вместе возводите сцену в какой-нибудь деревне. Или же вы играете музыку на улицах, не стремясь к получению прибыли. Всё это – практические формы проявления солидарности в искусстве.

Такой подход позволяет искусству перестать быть просто эстетической игрой для элиты, а стать трудом, голосом и воображением народа.

В системе, которая превращает искусство в товар и приносит его в жертву конкуренции, социалистическое искусство становится основой коллективного творчества и общей идеологии. Проявлять солидарность в искусстве – значит вдохнуть в него жизнь. Настоящая проблема заключается не в отсутствии производства, а в отрыве нашего искусства от жизни. Такая разобщённость мешает развитию эстетического вкуса и не способствует формированию нравственных убеждений. Это происходит из-за того, что индивидуализм всё больше проникает в нашу жизнь. Чтобы путь был осмысленным, по нему нужно идти вместе.

Более того, художнику недостаточно просто отразить это понимание, изменив тематику своей работы. Решения общественных проблем недостаточно – сам акт творчества должен стать коллективным. При постановке спектакля голос должен принадлежать не только режиссеру, но и специалисту по свету, сценографу и зрителям. Любое искусство, созданное не коллективными усилиями, неизбежно возвращается в сферу индивидуального производства.

В наши дни многие молодые художественные коллективы и начинающие художники открывают новые горизонты. Они создают свои произведения, не ориентируясь на властные структуры или рыночные отношения. Благодаря этому, зрители становятся не просто потребителями искусства, а активными участниками творческого процесса.

Примеры такой деятельности разнообразны: от сообществ, превращающих заброшенные магазины в театры на окраинах европейских городов, до кинотеатров под открытым небом в сельской местности и волонтёров, расписывающих стены сельских школ.

Эти инициативы не только обогащают мир искусства, но и становятся основой для новой системы общественных связей. Мы больше не ограничены традиционными формами искусства, переданными нам по наследству, и можем смело экспериментировать и искать новые пути самовыражения.

Песни, исполняемые Далилой для своего народа, и кадры кинохроники Дзиги Вертова в советском кинематографе отражают ту же традицию. Оба искренне отвечали на вопросы «для чего» и «для кого» в искусстве. Защита этого наследия сегодня требует не просто сохранения памяти, но и реконструкции. Искусство – это не только средство самовыражения, оно может стать товарищем в социальной борьбе.

Коллективное искусство не доносит до зрителей заранее подготовленные ответы; оно приглашает их думать, задавать вопросы и даже творить. Вот почему Бертольт Брехт превратил театр в пространство действия. Сегодня необходимо развивать новые формы искусства, в которых зрители выходят на сцену, и границы стираются. Ту же функцию выполняли наши традиционные певцы-денгбеджи – курдские устные сказители и барды, которые объединяли общество. В те времена искусство имело более демократичную и социально укоренившуюся форму и цель.

Демократизация искусства начинается с понимания того, что это право принадлежит каждому. Поэтому солидарность в искусстве зависит не только от намерений художника, но и от устройства общества.

Пока культурная политика ориентирована на крупный капитал, а не на помощь создателям искусства, оно остаётся коммерциализированным. В такой системе, если мы поём, мы выступаем на сцене, а если рисуем – заперты в галереях, где занимаемся искусством, лишённым жизни и людей.

В сегодняшних реалиях искусство солидарности может выжить только благодаря альтернативным структурам и сетям взаимной поддержки. Гранты и фонды – это не выход; именно солидарность людей питает и придает душу творчеству. В конечном итоге в результате возникает глубоко общественная система. Для тех из нас, кто занимается творчеством, наше понимание нового и преобразующего должно основываться на том, чтобы соединять искусство с людьми, вовлекать их в создание искусства и фокусироваться на художественном росте и коллективном творчестве общества.

Совместные музыкальные туры, создание фанзинов с взаимной поддержкой и организация бесплатных открытых мастерских – всё это олицетворяет дух творчества и сотрудничества. Эти действия доказывают, что солидарность в искусстве – это не просто ностальгический идеал из прошлого, а реальная и повседневная практика.

Единство в искусстве – это безграничный творческий потенциал, стремление к коллективному созиданию и искренняя связь с народом. Социальное искусство представляет собой пространство, где эстетическое и этическое сливаются воедино. Оно не ограничивается тем, что просто красиво или правильно, а переносит на сцену живую энергию, которая рождается из этого противостояния. Вместо того чтобы избегать противоречий, соц-арт активно их исследует, делая их явными.

Искусство и художники могут развиваться вместе, обогащая друг друга благодаря взаимной поддержке и общей цели. В мире, где искусство становится всё более индивидуальным, коллективное творчество продолжает оставаться важным инструментом сопротивления и источником надежды.

Пока мы стремимся понять друг друга, а не просто выразить себя, коллективное искусство будет с нами. И этот поиск продолжается не только на сцене или холсте, но и на улицах, в школах, в наших организациях и везде, где собираются люди.